Los primeros directores españoles

En los años del cine mudo no muchos directores españoles se pueden destacar por su aspecto creativo o por lo aportado al arte del cinematógrafo, pues realizaban un cine costumbrista y regionalista. Hay que añadir que las producciones de aquellos años apenas son distribuidas fuera de nuestro país y tienen poca repercusión internacional. Estos directores son considerados más como técnicos o artesanos del celuloide.
A pesar de ello, forman parte importante de la historia de nuestro cine y merecen ser recordados.
Podemos destacar a José Buchs (1896-1973), famoso por adaptar numerosas zarzuelas como La verbena de la Paloma (1921) y obras populares como El rey que rabió (1927). También sobresale Florián Rey (1894-1962),que comenzó siendo un actor y llevaría a cabo la película más madura del cine español mudo: La aldea maldita (1929), la cual volverá a rodar varias veces cuando el sonido llegue al cine. Benito Perojo (1894-1974), formado en Francia, pero afincado en España, fue el responsable de películas de éxito en su día como Malvaloca (1926) o El negro que tenía el alma blanca (1926). Por último, destacar al madrileño Fernando Delgado (1891-1950), autor de varias obras taquilleras como Las de Méndez (1927) o ¡Viva Madrid que es mi pueblo! (1928), ambas de un claro carácter costumbrista.

Éstos son los directores más destacados de nuestros inicios cinematográficos. Poco o nada se ha oído hablar de ellos, pero fueron de los primeros en andar los pasos que nos llevarían a nuestra actual situación en el panorama del séptimo artey son historia del cine.

Las "diosas" del Hollywood clásico

Desde los comienzos del cine hollywoodiense ha habido una serie de estrellas que han marcado la historia de los más míticos estudios y del séptimo arte. Por ello he elaborado una lista donde enumero las que creo son las más importantes actrices del Hollywood clásico. Aquellas que han marcado un antes y un después. Se que no están todas, pero he escogido a aquellas que siempre vienen a la mente al pensar en el Hollywood de los grandes estudios.

Vivien Leigh (1913- 1967)

Durante el rodaje de su primera película, Fire over England (William K. Howard, 1937), donde tenía un papel secundario, se enamoró del mítico actor Laurence Olivier. Su nuevo amor tenía que viajar a Hollywood para protagonizar Cumbres borrascosas (William Wyler, 1939), así que decidió seguirle hasta allí y presentarse para el papel de Scarlett O´Hara en Lo que el viento se llevó (Victor Fleming, 1939). Se hizo con el papel y ganó su primer Óscar con veintiséis años. Además de pasar para siempre a la historia más importante del cine con una de las obras más reconocidas.



Ingrid Bergman (1915- 1982)
En Suecia ya estaba considerada como una actriz importante, pero el éxito y la fama le llegó con su papel protagonista en Casablanca (Michael Curtiz, 1942). Se marchó a Italia para rodar con Rossellini la película Stromboli y de ahí surgió el amor y uno de los romances más sonados de la época y nacieron dos gemelas (una de ellas la actriz Isabella Rossellini). Fue repudiada por los sectores más conservadores de Hollywood, pero regresó y volvió a triunfar en América con un Óscar a la mejor actriz por Anastasia (Anatole Litvak, 1956).

Maureen O´Hara (1920)

Irlandesa de ascendencia, se convirtió, sin duda, en una de las grandes estrellas del Hollywood de los años cuarenta y destacan sus trabajos con el genial director John Ford, que nos permitió disfrutar de los mejores papeles de la actriz en el cine con películas como: ¡Qué verde era mi valle! (1941) o la magnífica El hombre tranquilo (1952). Quizá ésta última sea una de sus mejores interpretaciones, dando la replica al mismísimo John Wayne.

Joan Fontaine (1917)

Se cambió el apellido para que no se la confundiese con su hermana Olivia de Havilland. Las dos mantuvieron un intenso duelo a la hora de conseguir papeles, que se quitaban la una a la otra. Las dos protagonizaron el único caso en que dos hermanas han estado nominadas el mismo año a los premios Óscar. Trabajo con Hitchcock y fue con él con quién alcanzó la fama en la inolvidable Rebeca (1940); aunque la estatuilla la consiguió con otra del director inglés: Sospecha (1941).

Marilyn Monroe (1926- 1962)

Sin duda, la actriz más famosa de todos los tiempos, no precisamente por ser una de las más talentosas, pero este título le pertenece claramente. Se convirtió en un mito, en un símbolo de América y de estrella. Sin duda el arquetipo de sex-symbol, que se codeó con todo tipo de personajes de las más altas esferas (incluído el presidente), muchas veces para hacerse con apetitosos papeles. No ha dejado un legado artístico destacable pero si apareció en películas míticas como Con faldas y a lo loco (Billy Wilder, 1959) o La tentación vive arriba (Billy Wilder, 1955).

Elizabeth Taylor (1932- 2011)

Está considerada como la última estrella del Hollywood clásico. Su vida privada siempre fué un escándalo, pero sus papeles en la pantalla fueron auténticos mitos del cine. Ya era una estrella con 12 años, aunque alcanzó reconocimiento mundial con la fallida Cleopatra (Joseph L. Mankiewitz, 1963). Sus papeles se caracterizaban por ser mujeres maduras y sensuales, que se mostraban agresivas o dominantes en películas como: ¿Quién teme a Virginia Woolf? (Mike Nichols, 1966) o La mujer maldita (Joseph Losey, 1968). Gigante (George Stevens, 1956) es otra de sus míticas películas.

Los genios detrás de los Monstruos de La Universal

El género de terror había estado muy presente en los inicios del cine, desde Méliès. Sin embargo, con la llegada del sonoro, las pelis que seguían esa misma temática 

quedaron anticuadas y, en vez de provocar miedo, hacían reír al publico. Pero la Universal se iba a encargar de cambiar eso. Le encomendó al director Tod Browning la realización de un film sobre el famoso y sanguinario Conde Drácula. El actor elegido fue el camaleónico Lon Chaney, pero su fallecimiento hizo que el papel pasase a manos de Bela Lugosi. El éxito de la combianción de la gran labor del director y la increíble interpretación de Bela Lugosi como el Conde hizo que el género resurgiese y la Universal se lanzase a producir films de este tipo.

La mayoría de las películas estaban basadas en novelas o textos originales y en los personajes literarios más conocidos y populares. Pronto se estableció una rivalidad entre dos de los mejores directores de este genero: Tod Browning y James Whale. Ambos resucitaron las películas de terror con films como: El Dr. frankenstein (Whale, 1931), que lanzó, irremediablemente, a Boris Karloff al estrellato; Drácula (Browning, 1931); El hombre invisible (Whale, 1933); La novia de Frankenstein (Whale 1935), que supera ampliamente a su predecesora; o La parada de los monstruos (Browning, 1932), obra maestra del género.

Estos dos genios del cine nos regalaron una amplia filmografía y se encargaron en su momento de resucitar un género que necesitaba una renovación urgente. 

Con artistas como estos dos directores y películas como las mencionadas es como el arte del cine va avanzando y ofreciendo continuas renovaciónes; porque si hay un arte dinámico ese es, sin duda, el cine. 

Os recomiendo encarecidamente ver las películas que he mencionado antes, ya que son una pequeña parte de la historia de este arte.

La película que convirtió el western en un género de altura

Las películas "del Oeste" ya habían sido exitosas en los inicios del cine, pero la cosa fue perdiendo fuelle hasta que un genio del cine, llamado John Ford, decidió llevar a cabo y estrenar La diligencia.

A finales de los años 30 John Ford ya era un director con cierto prestigio y con una importante carrera a sus espaldas. Sin embargo, tras comprar los derechos de un relato de Ernest Haycox, con su propio dinero (2.500 dólares le costó), encuentra numerosas dificultades por parte de los productores a la hora de llevarlo a cabo.
El motivo que estos aducían era que al tratarse de un western éste era un género que ya no era popular y, por lo tanto, era arriesgado producirlo y proyectarlo en las salas. Ford, tras largas discusiones, les convenció diciéndoles, entre otras cosas, que se trataba de una muy buena historia, sin importar el lugar y tiempo en que transcurría. El productor que se lanzó fue Walter Wagner, para la United Artists y para protagonizarla se eligió a un joven actor que en aquél momento era popular por haber hecho unas cuantas películas del Oeste de bajo presupuesto, un tal John Wayne.

En 1939 se estrenó La diligencia, de Joh Ford, y nació una leyenda del cine. La película consiguió dos Óscar y cinco nominaciones. No obtuvo el éxito de público esperado, pero despierta los aplausos y la admiración de la crítica y de los directores colegas de Ford, lo que contribuyó al renacer del género y a que éste recuperase un lugar preeminente en Hollywood de ahí en adelante.

La "screwball comedy"

El término screwball viene del vocabulario deportivo y significa: "una bola con efecto". Pero en el ámbito cinematográfico se usa para designar aquellas comedias con un ritmo enloquecido, diálogos excelentes e ingeniosos y que refleja unas situaciones algo retorcidas. Éste tipo de comedia triunfó durante los años 30 y 40, pero siguieron y sigue funcionando de vez en cuando.
La screwball comedy surgió debido a la incorporación del sonido a las películas. Se le daba mucha más importancia al humor verbal y los guionistas pasaron a ocupar un importante lugar dentro de estas historias. Así surgieron numerosas nuevas estrellas y, sobre todo, parejas cómicas inolvidables del cine.

Otro hecho importante es que salieron a la luz muchas actrices cómicas de tanta importancia como sus partenaires masculinos. Así tenemos a: Carole Lombard, Ginger Rogers, Mae West, Katharine Hepburn, Doris Day, Audrey Hepburn; que dieron una eficaz y legendaria réplica a Cary Grant, los Hermanos Marx, Bob Hope y demás estrellas masculinas.
Podemos considerar que el mayor genio de este tipo de films fué Howard Hawks. Si queréis entender en que consiste una comedia de este tipo no teneis más que ver algunas de sus míticas películas: La fiera de mi niña (con Katharine Hepburn y Cary Grant); Luna nueva (con Rosalind Russell y Cary Grant) o Su deporte favorito (con Paula Prentiss y Rock Hudson).

El Actor´s Studio

Elia Kazan fundó en 1947, en Nueva York, el llamado Actor's Studio. Era una escuela de interpretación que basaba sus enseñanzas en primer lugar en el método del genio ruso Constantin Stanislawski y su "Teatro del Arte" de Moscú. Después se basó en la sistematización de este famoso método por parte de Lee Strasberg y Stella Adler, a través de su Group Theatre, de donde surgió la llamada escuela del Método. El Método se basa en una interpretación más personalizada e interiorizada, que se fundamenta en vivir el personaje por medio de emociones y motivaciones psicológicas reales, procedentes de experiencias auténticas del actor, que luego se adaptan y conectan a las del personaje.  
El Método, que no quiere decir que sea la manera única de actuar, cambió la idea del actor de cine dando lugar a nuevas estrellas como: Marlon Brando, James Dean, Montgomery Clift, Paul Newman, Steve McQueen, etc.

Los absurdos del Código Hays, de la "Caza de Brujas"

Aquí os dejo algunos de los puntos que impuso la censura estadounidense sobre las producciones de Hollywood durante la llamada "Caza de Brujas", mediante el Código Hays, que dió lugar a los mayores absurdos en el cine (cronometrar besos, camas separadas en los matrimonios de las películas, que el hijo de Tarzán y Jane fuera adoptado por no estar casados, etc.)  y que hizo la vida imposible a directores y guionistas:

• El tráfico ilegal de drogas no debe ser retratado, así como escena alguna que muestre con detalle el uso de drogas ilegales o sus efectos.
• El uso del licor en la vida americana no debe ser mostrado.
• El adulterio y el sexo ilícito no deben ser tratados explícitamente o justificados o presentados de manera atractiva.
• No deben mostrarse besos excesivos y lujuriosos, abrazos lascivos, posturas o gestos sugerentes.
• Las perversiones sexuales o cualquier referencia a estas está prohibida totalmente.
• La trata de blancas no debe ser mostrada.
• Las relaciones sexuales entre las razas blanca y negra están prohibidas.
• Las escenas de parto no deben ser presentadas nunca.
• Las escenas de vestirse y desnudarse deben ser evitadas.
• Los bailes con énfasis en movimientos indecentes deben ser considerads obscenos.
• Los títulos salaces, indecentes u obscenos no deben usarse nunca.

Las películas que cambiaron la historia del cine clásico de Hollywood

Voy a poner aquí las que yo he seleccionado, que no es fácil. Son aquellos films del Hollywood clásico que cambiaron para siempre el arte cinematográfico y que han colaborado a hacer que a este mundo se le denomine séptimo arte, porque viendo estas obras lo tiene bien merecido.


Lo que el viento se llevo, de Victor Fleming (1939). Esta película, basada en una novela de la escritora Margaret Mitchell, se convirtió en un gran melodrama repleto de pasión, de fuerza y de mitos, pasando a ocupar un lugar privilegiado en la historia. No hay mujer que se resista a esta película, ni cinéfilo. Gran parte del éxito fue de David O. Selznick que supo llevar con mano experta el rodaje, la producción y la publicidad. Lo que el viento se llevo ganó diez Oscar; pero, francamente, esto es lo que menos importa.




 
 
Ciudadano Kane, de Orson Welles (1941). Hay un genio reconocido en el mundo del cine que se llama Orson Welles. Su talento y atrevimiento a la hora de rodar sus películas ha quedado plasmado para siempre. En esta película destaca su vanguardismo, muy atrevido en ese momento, y la crítica tan directa que se hacia del magnate de la prensa William H. Hearst. Ha pasado a la historia y es considerada por muchos expertos la mejor película de la historia del cine.




 
 
Casablanca, Michael Curtiz (1943). Una película que no se esperaba que pasase a tener tanta importancia. Una producción modesta y un guion inteligente hacían presagiar un film interesante. Pero el amor y los sueños se han encargado de elevar esta obra maestra al Olimpo del cine y situarla entre las películas más importantes de la historia. La pareja protagonista es, para mi, la mejor que se haya visto nunca.



 

 
Gilda, de Charles Vidor (1946). Un bofetón, que nadie se esperaba en el rodaje y un guante, han convertido esta película en un mito.Pero no sólo esta aquí la chicha del film, sino en su pareja protagonista: Glenn Ford y Rita Hayworth, que hicieron las delicias del cine (como la pareja de Casablanca) y le dieron un empujón a la gloria a esta modesta película del cine negro, con el desparpajo de su protagonista femenina.

 


Ben-Hur, de William Wyler (1959). Hay un maestro polivalente de la realización que está considerado como tal por todos los entendidos y ese es William Wyler. En Ben-Hur, el grandísimo director consiguió unir el talento y el buen hacer con la espectacularidad, los efectos y el entretenimiento. Una de las primeras y más importantes superproducciones de Hollywood. Hasta hace poco ostentaba el récord de once Oscar, pero Titanic y El retorno del rey lo igualaron recientemente.

El "creador" de los grandes musicales de Hollywood

Busby Berkeley (1985- 1976) era un coreógrafo que había organizado ya desfiles en el ejército. Más tadre trabajó con Florence Ziegfeld en el teatro. Cuando llegó a Hollywood, convocado por Samuel Goldwyn, a comienzos de 1930, no estaba muy contento con el panorama artístico que se encontró: los musicales se rodaban con dos o tres cámaras rodeando el decorado, y los números de baile los montaba un coreógrafo pero los dirigía en el set de rodaje el director, que elegía la posición de las cámaras mientras en la sala de montaje se elegían los planos que finalmente se verían en la pantalla. Berkeley exigió a Goldwyn que le dejara dirigir las películas por completo y lo primero que hizo fue deshacerse del gran número de cámaras y rodar sólo con una, pero introduciéndola dentro del propio número musical o de baile, haciéndo, así, que formara parte de la coreografía.

A pesar de su procedencia del teatro, BusbyBerkeley comprendió perfectamente la diferencia de ambos medios, siendo en el cine la cámara una gran protagonista, que permitía coreografiar, montar y mostrar los números como nunca antes se había hecho. Entonces, podemos decir, que nació un genio del cine. Después lo contrató Darryl F. Zanuck para la Warner, para la que realizó algunos de los mejores y más espectaculares musicales de los años 30: La calle 42 (1933), Desfile de candilejas (1933), Música y mujeres (1934) o Vampiresas de 1935 (1935). Sus coreografías eran geométricas, surrealistas y estaban repletas de excesos, invocando la repetición de pianos, arpas y piscinas en las que muchos bailarines/as evolucionan creando todo tipo de figuras complejas, en una atmósfera de ensueño y fantasía. También usaba trucos de cámara, como rodar con la película hacia atrás.

 Busby Berkeley, que abandonó Hollywood para volver a Broadway, hizo que el musical se convirtiese en un género más maduro y cinematográfico.

Los primeros Óscar

La Academia Americana de las Artes y las Ciencias Cinematográficas creó su propio galardón para premiar los esfuerzos de los cineastas norteamericanos. En la primera ceremonia de entrega de estos premios, llamados posteriormente los Óscar, la triunfadora fue Alas. Ésta es la única película muda que ha ganado este premio, ya que a partir de entonces todos los films iban a tener sonido. Alas, de William A. Wellman, era una gran producción bélica sobre la I Guerra Mundial, que destacó sobre todo por sus novedosos efectos y lo bien rodadas que estaban las escenas de los ataques aéreos. Las otras triunfadoras de la noche fueron Amanecer y El séptimo cielo, que se llevaron el mayor número de estatuillas; la última de ellas la de mejor director, entre otras, para Franz Borzage. Otra cosa a destacar de esta gala fue la entrega del Óscar a la mejor actriz a Janet Gaynor por nada menos que tres películas: Amanecer, El ángel de la calle y El séptimo cielo. Emil Jannings ganó el premio de mejor actor por La última orden y El destino de la carne. Hubo dos Óscar especiales: uno a Charles Chaplin y otro a Warner Bros por hacer la primera película sonora, El cantor de jazz.

Esta primera gala es una buena oportunidad para todos aquellos que querais ir descubriendo el cine clásico hollywoodiense, mirad la lista de películas premiadas e intentad visionarlas, porque son films muy importantes en la historia del cine.

Las primeras películas realizadas en Hollywood

California, y principalmente la zona de Los Ángeles, se convirtieron en el lugar preferido de los realizadores. A ello contribuyó el buen clima de la zona, la variedad de paisajes con que estaba dotado el terreno y que se encontraba lejos de la influencia de Edison. Además era un lugar tranquilo, perfecto para rodar en exteriores. La primera película, con un argumento concreto, rodada en Los Ángeles fue una versión de El conde de Montecristo (Francis Boggs, 1908). Este film no estaba completamente rodado en Los Ángeles, pero el siguiente relato que hizo este mismo realizador (Boggs), The Power of the Sultan (1909), si que se rodó por completo en esta ciudad. Este director, desconocido, podría haberse convertido en el pionero del cine de Hollywood, pero fue asesinado en 1911, y su carrera se reduce a poco más que los primeros films rodados donde se emplazó la gran industria del cine americano.

La primera película española

La primera película española, de la que se tenga noticia, es Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza de 1896, de los pioneros Eduardo Jimeno y Eduardo Jimeno Correas, padre e hijo, que, además de realizar las primeras películas españolas, abrieron una serie de salas de cine en Madrid, mientras que otro personaje, Antonio de P. Tramullas, organizó las primeras proyecciones de cine en Barcelona. Poco a poco, la maravilla del cinematógrafo llega a todas las provincias españolas, mientras surgen algunas personas que tratan de establecer un sistema de producción nacional.

La primera película sonora de la historia

Aunque ya se hacían antes proyecciones de películas con acompañamiento de sonido, música o voces sincronizadas, la que está considerada como la primera película sonora y hablada de la historia es El cantor de jazz (1927), dirigida por Alan Crosland y protagonizada por el cantante Al Jolson. En realidad, la película solo incluye algunas canciones y dos fragmentos de diálogo, que dicen eran improvisados en su mayoría. Éste film fué el primero sonoro, pero la primera película totalmente hablada fué Lights of New York (1928), una producción de la Warner que se presentó con el carte: "100 por 100 hablada", los personajes de este film hablaban incluso durante los créditos iniciales y los finales.

El padre de los realizadores.

David W. Griffith (1874-1948) es, sin duda y muy justamente, reverenciado como el primer gran creador cinematográfico por derecho propio, y el propulsor de un lenguaje netamente cinematográfico, del que proceden el cine de Hollywood en su conjunto y el cine clásico mundial en general. Antes de Griffith no existían o apenas apuntaban los distintos encuadres, la planificación y los cortes, así como los movimientos de cámara. Casi todo el cine era plano y teatral, hasta que este caballero del sur decidió tapar el objetivo de su cámara con una caja de puros descubriendo así el fundido en negro.

Griffith, trás ser expulsado de su productora, la Biograph, por haber rodado un largometraje, Judith of Bethulia (1914), en un momento en el que ningún empresario americano apostaba por películas de una duración superior a los veinte o veinticinco minutos, recogió sus bártulos y se marchó a California, donde concibió y rodó su primer gran éxito: El nacimiento de una nación (1915). A continuación, Griffith la que es, posiblemente, su obra maestra: Intolerancia (1916), otro fresco histórico. Pero Griffith continuó dirigiendo películas tan memorables como Lirios rotos (1919), Las dos huérfanas (1922), etcétera.

Sin embargo, boicoteado y olvidado por las grandes productoras, en parte tambíen debido a su carácter e ideología conservadores se retiró en 1931, trabajando ocasionalmente para otros directores, y falleciendo en 1948 al borde de la pobreza, solo en la habitación de un hotel. Hollywood es así.

La "primera" película de la historia

Asalto y robo de un tren (The Great Train Robbery, 1903), está considerada como la primera película de la historia del cine. Fué dirigida por Edwin S. Porter en 1903.

Hasta entonces, las películas eran planos fijos o sucesión de éstos sin coherencia narrativa. La novedad de esta película se encuentra en que fue capaz de mostrar un verdadero lenguaje cinematográfico, con planos y secuencias cuya conexión y sucesión (o raccord, como se conoce) va dando forma a la historia porque la acción va avanzando a través de ellos. El film consta de una docena de planos y dura a penas diez minutos.
Los personajes dan dinamismo a la acción entrando y saliendo por lados diferentes del plano; además se utiliza por primera vez un encuadre supeditado al transcurso de la acción. También existe un desarrollo temporal lógico. Otro recurso que distingue a esta película es la inserción de escenas en movimiento en las ventanas de la estación o en las puertas del vagón, lo que le quita la sensación de estar en un teatro o un escenario fijo, como ocurría en las películas de entonces (solían ser un plano fijo) y le aporta dinamismo. La acción se enmarca en el mundo real, en movimiento. También se considera que es el primer film que refleja cierta tensión dramática, algo inaudito entonces.
Otra curiosidad de esta película es que se distribuyó para su exhibición junto con un plano donde el jefe de los ladrones disparaba al espectador; los exhibidores podían situar este plano tanto al principio como al final del metraje.
Está considerada también como la primera película del género del western americano, aunque en su momento se consideró una película de trenes, un género muy popular por aquél entonces.

Méliès, el mago del cine.

Si Marie-Georges-Jean Méliès inventó el cine, ¿qué papel desempeñaron Thomas Edison y los hermanos Lumière? En realidad, el cine que estos inventaron era una simple curiosidad tecnológica. Georges Méliès secuestró el tren y lo lanzó hacia lo que ahora conocemos como cine: películas de ficción concebidas como espectáculo y entretenimiento.
En 1896, los Lumière invitaron a Méliès a la presentación de su invento. Así pues, él formó parte del reducido público que asistió a la primera sesión de "cine". Lo que vió le cautivó, pero los Lumière no quisieron venderle su artefacto así que se fabricó uno propio. Al poco tiempo de inventarse la cámara, se dió cuenta de que aquella máquina podía mentir y que en el corazón de la tecnología del cine había un truco de magia. Hizo falta un mago (Méliès lo era en realidad) para comprender que las películas son magia.

Dice la leyenda que un día, filmando el tráfico, el celuloide se atascó en la cámara. Cuando empezó a rodar de nuevo, el tráfico había cambiado. Al proyectar la película, se veía un coche funebre cruzando la pantalla... y de pronto se convertía en un tranvía. Méliès creó en la pantalla efectos especiales que nunca habría podido hacer en un escenario. Con el paso del tiempo sus efectos se hicieron legendarios. Su obra más famosa es "Viaje a la Luna" (1902). Sin embargo, su empresa se fué a la bancarrota y Méliès quedó arruinado. Aún así, es considerado por la gran mayoría cómo el creador del cine, un genio en los efectos visuales y un cineasta capaz de dotar a sus películas de la magia que requiere el gran cine.

El director que más veces ha sido galardonado con el Óscar por su labor y el que no lo ganó nunca.

Según la equivocada idea de medir el talento en el cine con la cantidad de Óscars acumulados en las vitrinas, el mejor director de la historia sería John Ford (es de los mejores, por supuesto. Que ganó el premio en cuatro ocasiones, por "El delator" (1935), "Las uvas de la ira" (1940), "¡Qué verde era mi valle!" (1941) y "El hombre tranquilo" (1952). Y si bien es cierto que John Ford se mereció cada una de estas estatuillas... ¿cómo pensar en el buen juicio de la Academia y sus Óscar al saber que Alfred Hitchcock nunca recibió ninguno?. Esto dice mucho de las predilecciones de la Academia, que por supuesto siguen vigentes hoy en día con tres de los mejores directores actuales: Peter Weir (nominado en 1985, 1989, 1990, 1998 y 2003), David Fincher (al que se le ha escapado el premio en dos ocasiones, 2008 y 2010) y Christopher Nolan (2001 y 2010) y muchos más que no necesitan este premio para demostrar que son auténticos genios de este arte.

¿Cuál es el cine más creativo e importante de la actualidad?

El que procede de Extremo Oriente. Japón, China, Corea del Sur, India, Tailandia e incluso Filipinas, a parte de tener una historia del cine propia, poco o nada conocida en Occidente, en los últimos años han desarrollado una producción impresionante, que supera ampliamente en calidad, experimentación y riesgo la del cine occidental, tanto en los géneros comerciales tradicionales como en el cine de autor. Para ello, no solo parte de su propia tradición, sino de una asimilación desprejuiciada e inteligente de lo mejor de Hollywood y, sobre todo, de lo mejor del cine de autor europeo de los años sesenta y setenta. El cine de las últimas décadas sería mucho menos interesante sin cineastas como Wong Kar-Wai, Zhang Yimou, John Woo, Ringo Lam, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Kim Ki Duk y muchos más, que llevan haciendo las delicias de los cinéfilos unos cuantos años.

¿Cuándo fué la primera vez que se proyectó una película?

Todavía hoy se disputan muchos, sobre todo norteamericanos y franceses, la paternidad concreta del invento y las fechas de las primeras proyecciones, rodajes y demostraciones. Cuando se celebró el "centenario" del cine, tomando como fecha de referencia la primera proyección pública de "La salida de los obreros de la fábrica Lumière", rodada en 1894 pero mostrada un año después, el 22 de marzo de 1895, ante la Société d´Encouragement pour l´Industrie Nationale, en el número 44 de la Rue de Rennes, en París, y, poco después, al público general, el 28 de diciembre de ese mismo año, en el Grand Café, hubo muchas voces que proclamaron otras fechas anteriores, que entraban en conflicto con la elegida para la celebración. Pero, en general es aceptada la teoría de que este film fué el primero en exhibirse al público.