Así se zanjaba un problema en Hollywood

El primer director previsto para llevar a cabo la histórica película Lo que el viento se llevó era George Cuckor. Pero por problemas personales con Clark Gable, el realizador fue despedido. Vivien Leigh y Olivia DeHavilland eran fervientes admiradoras de Cuckor y deseaban, ante todo, terminar el film con el director. Cuando se enteraron de que George Cuckor había sido despedido estaban grabando una secuencia con la segunda unidad de cámara y abandonaron el set para ir al despacho del productor David O. Selznick. Allí acorralaron al magnate y protestaron por lo ocurrido; llegando Vivien Leigh a amenazar con abandonar la producción. Pero, en todo esto, intervino el hermano de David, Myron Selznick diciéndole a la actriz: "Si abandonas esta película, te verás en los tribunales hasta tu último día sobre la tierra. Nunca más volverás a trabajar ni en la pantalla ni en el escenario. Nunca serás libre, David se ocupará de ello. Y, señorita Leigh, yo también me ocuparé". Ya sabeis muy bien lo que ocurrió a continuación.

Las polémicas llamadas del 11-S

La película sobre la caza de Bin-Laden, La noche más oscura (Kathryn Bigelow, 2012) estuvo rodeada de muchas polémicas. Las críticas no provenían solamente de las escenas de tortura permitidas por la CIA, sino también por el uso de llamadas de víctimas del 11-S a sus familiares aquél fatídico día. Y es que, el film de Bigelow usa estas llamadas como recurso para evocar la terrible matanza en un par de ocasiones.

Todo comenzó cuando los familiares de Betty Ong, una azafata que volaba en uno de los aviones estrellados contra las Torres Gemelas, protestaron contra la productora por haber usado sin autorización la grabación de la llamada de socorro que hizo Ong poco antes de morir. Como condición para no llevar a los responsables de La noche más oscura ante los tribunales, los familiares de Ong exigieron que en la noche de los Oscar, si el film era premiado, se pidiesen disculpas públicas y que la productora hiciese donativos a asociaciones de víctimas del 11-S.

Curiosos discursos de los Oscar

Los discursos que los ganadores de los Oscar han pronunciado a lo largo de la historia siempre han dado lugar a numerosas anécdotas. Uno de los discursos más cortos que se recuerdan fue el de Clark Gable que subió a recoger su estatuilla al mejor actor por Sucedió una noche (1924) y no dijo nada más que "Muchas gracias". Aunque el discurso más corto fue el del director Michael Dudok de Wit, quién realizó un discurso de 18 segundos al recoger el Oscar por su cortometraje de animación Father and Daughter (2001).

El discurso más largo de la historia lo protagonizó Greer Garson, que al subir al escenario se explayó vendiendo bonos del estado para ayudar a la nación durante la II Guerra Munidal, y su discurso se alargó hasta los cinco minutos y medio. A partir de entonces se tomó la decisión de limitar las intervenciones de los premiados. Y es a raiz de esta medida como Martin Landau fue el protagonista de la siguiente anécdota cuando al empezar su discurso por ser premiado como mejor actor de reparto por Ed Wood (1994) le cortaron el micro y empezó a sonar la orquesta; entonces lanzó un potente "No" como protesta.
Mientras que a la actriz Julia Roberts nadie le cortó su discurso por el premio por la película Erin Brokovich; que, según subió, dijo que no le importaba pasarse del tiempo ya que no sabía cuando volvería a recibir un Oscar. El problema de su largo discurso fue que se olvidó de darle las gracias a la verdadera Erin Brokovich, otra anécdota negativa de estos discursos.

Steve McQueen se salvó de Charles Manson

Charles Manson no solo había fracasado como cantante, sino también como guionista de cine. Envío uno de sus guiones a la productora que regentaba Steve McQueen (Solar Pictures), ofreciendole al actor el papel protagonista. Pero el guión fue rechazado tajantemente por su falta de calidad. Manson, ante la negativa, comenzó a seguir a McQueen para matarlo. Con esto, el actor se unió a la lista de famosos que el célebre demente deseaba eliminar junto a Richard Burton, Elizabeth Taylor y Tom Jones. Lo más curioso de todo es que Steve McQueen iba a asistir a la fiesta que daba en su casa la actriz Sharon Tate, de la que había sido amante antes de casarse con Roman Polanski. Pero asuntos de última hora (amorosos dicen) le hicieron ausentarse de la casa de Tate aquella fatídica noche del 8 de agosto de 1969; noche en la que los acólitos de Manson asaltaron la casa y perpetraron la tristemente célebre matanza.
Existen muchos rumores que apuntan a que el verdadero desencadenante de los asesinatos fue la intención de Manson de deshacerse de Steve McQueen. Pero éste no acudió a la cita y se salvó milagrosamente.

Una mujer, llamada Sarah Deming, que parece no tener otra cosa mejor que hacer en su vida, puso una demanda contra la película Drive (Nicolas Winding Refn, 2011). Según ella la distribuidora FilmDistrict y una cadena de exhibición la engañaron durante la campaña de promoción de la película. Y es que, según dice, le vendieron Drive como si fuera algo parecido a Fast and Furious (¡madre mía!). Claro, cuando la señora acudió a la sala y descubrió que no había casi ninguna persecución se enfadó mucho y, porque no decirlo, se dejo llevar del cabreo a la estupidez y dió el paso junto a su abogado. Pero ahí no queda todo. También acusa a la película de ser un relato antisemita ya que promueve la violencia contra un personaje judío como al que da vida Albert Brooks en el film. No se que pasará con esta demanda, pero por favor, espero que no haya un juez tan desocupado que decida ocuparse de este caso en vez de otros miles que son mucho más importantes. La próxima vez espero que Sarah Deming se informe mejor a la hora de ir a ver una película.

Antes de comenzar a filmar World Trade Center (Oliver Stone, 2006), el ayuntamiento de Nueva York prohibió expresamente a la productora que se recreara el atentado del 11-S usando las calles de la ciudad como plató. Ésto explica que el momento en el cual los aviones de pasajeros son estrellados contra los rascacielos está mostrado en el film por medio de una elipsis, y que las escenas callejeras posteriores a la catástrofe fueran rodadas en Los Ángeles.

En esa escena de El caballero oscuro (Christopher Nolan, 2008) en la cual Joker se infiltra en un hospital disfrazado de enfermera, en su uniforme se lee un nombre: Matilda. Ese es el de su hija.

George Cuckor le comentó en su momento a Peter Bogdanovich que en muchas ocasiones había tenido que trabajar con actores y actrices que estaban muy bien en las primeras tomas, pero que a medida que repetían su trabajo perdía frescura y sutileza. Decía: "Eso es otra cosa que hay que saber: dónde está el punto de los actores. Spencer Tracy juraba que después de tres o cuatro tomas, ya no podía mejorar, si tenía que hacer más, se le llevaban los demonios. Garbo pensaba que encontraba su punto después de hacer cinco tomas. A partir de entonces, empezaba a afectarle. Algunos actores mejoran y les gusta seguir, se relajan y van cada vez a más. Hace años que no trabajo con Katharine Hepburn, pero a ella le encantaba repetir. De hecho, en su primera película había una escena en la que se tenía que comer unos huevos revueltos, y no sé cuántas veces pudimos repetirla; unas veinticinco. Y cada vez tenía que volver a comer los huevos. Le puedo decir que, posiblemente, no volvió a mirar un huevo revuelto en su vida".

Maurice Jarre ganó su tercer Óscar en la edición de 1984 por su partitura para el film de David Lean Pasaje a la India (1984); y precisamente los otros dos que ya tenía los había ganado colaborando con el mismo director: Lean, en Doctor Zhivago (1965) y Lawrence de Arabia (1962). Cuando Jarre subió a recoger su estatuilla dijo, bromeando: "...menos mal que Mozart no ha sido nominado a la mejor banda sonora...". Ésto lo dijo porque esa noche se llevó todos los premios principales de la Academia de Hollywood Amadeus (1984), de Milos Forman, cuya banda sonora no podía competir con la de Jarre en la categoría de Mejor Banda Sonora Original, por estar compuesta de temas del inigualable Wolfgang Amadeus Mozart.

Para filmar la secuencia de la nieve de El Cuarto Mandamiento (1942), Orson Welles metió a actores y equipo técnico en una antigua  fábrica de hielo de Los Ángeles. Como explica la biógrafa de Welles, todo el edificio apestaba a pescado muerto y fue necesario apartar montañas de peces para dejar espacio para la filmación. Las sesiones de trabajo en la fábrica eran de doce horas diarias, y Welles se equipó con un traje de esquimal y una gorra de punto con una borla en lo alto; por otro lado, el realizador y el director de fotografía, Stanley Cortez, combatían las bajas temperaturas con una botella de brandy. Hacía tanto frío que los focos de 10.000 vatios se fundían con frecuencia, lo cual obligaba a repetir tomas que se habían estropeado al salir en ellas el fogonazo de las luces al estallar. Aunque los actores llevaban gruesa ropa de abrigo debajo de los trajes de época, también sufrieron lo suyo porque Welles quería que saliera vaho de sus bocas... pero cada vez que exhalaban aire se les metía el horrible olor a pescado.

La innovación más absurda del cine

En 1960, Mike Todd Jr. produjo un film llamado Scent of Mistery. Éste fue proyectado en 70 mm. Ésta no es la única novedad de este proyecto; lo curioso se hayaba en que se proyectó acompañado de la Smell-o-Vision. Ésto era un sistema que sincronizaba las escenas con olores que evocaban las imágenes, que se iban liberando en las salas de los cines durante el pase. La Smell-o-Vision tuvo resultados ridículos y propicio el film de John Waters: Odorama. Es una innovación que no funcionó ni funciona bien, aunque hay cines en Japón que usan sistemas parecidos para proyectar determinadas películas.

John Grisham, el autor que ha escrito numerosas obras que han dado lugar a famosas películas como: La tapadera, El informe Pelícano, El cliente, Tiempo de matar o Legítima defensa; inició en 1996 una cruzada contra Oliver Stone y su film Asesinos Natos, acusándolo de fomentar la violencia. Ésto lo hizo Grisham por una razón personal: el asesinato de un amigo suyo a manos de la pareja de adolescentes drogadictos formada por Sarah Edmondson y su novio que, antes de cometer el crimen, habían visto veinte veces la película de Stone y que, según Grisham, habían decidido seguir la carrera criminal de los protagonistas del film. Edmondson fue detenida  y condenada a cadena perpetua. Pero Grisham no se frenó aquí y amenazó con una demanda judicial, por lo que Oliver Stone tuvo que defenderse pidiendo disculpas en varios medios.

Preparando el reparto de Dune (1984), el director David Lynch y la productora Rafaella De Laurentiis se fijaron en la actriz Sean Young para el papel de Chani, a la que habían descubierto en una prueba grabada en vídeo que vieron en Nueva York. El agente de la actriz concertó una entrevista con aquellos y le dijo a Young que tomará un vuelo hacia Los Ángeles para la cita. El mismo día que ésta última tomaba ese avión, Lynch y De Laurentiis perdían su vuelo de regreso del casting de N.Y. a Los Ángeles y se embarcaban en el siguiente... que no era otro que el mismo de Young. Cuál sería la sorpresa de los tres cuando Lynch se fijó en la actriz al verla sentada entre los pasajeros y se acercó a hablar con ella mientras le decía a la productora: "ojalá esa chica de ahí fuese actriz...".

A lo largo de su carrera como estrella del cine mudo, Buster Keaton sufrió todo tipo de accidentes debido a su insistencia de rodar él mismo todas las escenas peligrosas de sus comedias. Por ejemplo, rodando el cortometraje The Electric House (1921), la suela de uno de sus zapatos se enganchó en las correas de unas escaleras mecánicas en marcha, lanzándole por los aires desde una altura de casi cuatro metros; Keaton se rompió la pierna derecha y estuvo cuatro meses sin trabajar. Más adelante, filmando El moderno Sherlock Holmes (1924)..., se rompió el cuello, "pero ni siquiera me enteré hasta mucho después- recordaba- . Un día mi médico me estaba haciendo un chequeo, me preguntó cuándo había sufrido la fractura que, naturalmente, para entonces, ya se había curado completamente". El accidente tuvo lugar rodando un gag en el que Keaton es golpeado por el chorro de agua de un depósito al lado de la vía del tren: el chorro salió despedido con demasiada fuerza, cayó de espaldas a la vía y su cuello se golpeó contra un raíl.
Otro grave percance tuvo lugar durente la filmación de El Navegante (1924), rodando una escena en la que Keaton se ponía una escafandra de buzo: "El gag consistía en que yo estuviera fumando mientras la chica intentaba ponerme el casco. Me dejaba el cigarrillo en la boca  mientras la ayudaba a cogerlo y ponérmelo. Accidentalmente, ella le dió media vuelta, cerrándolo. El humo del cigarro hizo que me entrara un ataque de tos. Afortunadamente, Ernie Orsatti, el jugador de béisbol de los Cardinals de St. Louis, que estaba trabajando con nuestro equipo, se dió cuenta del apuro en que me encontraba y abrió el casco justo a tiempo".

Carlos Saura decía haber estudiado cine... sin haber visto nunca las películas que analizaban en la Escuela. Refiriéndose a sus clases en la Escuela de Cine decía: "Las clases consistían simplemente en explicarnos la teoría cinematográfica rusa, Eisenstein sobre todo. Me di cuenta al poco tiempo de que era una monstruosidad, porque todos hacíamos unos guiones a lo cine ruso socialista 8tipo 50.000 piernas de soldados atraviesan el fotograma de derecha a izquierda). Aquello era un disparate cósmico". A la pregunta de si al menos veían las películas, el director español contestaba: "¡Qué va!, todo era teórico, yo no había visto una sola película rusa, pero lo curioso es que a pesar de todo fue en la Escuela donde yo descubrí el cine. Imagínate lo absurdo que es estudiar en España a Dovjenko, Eisenstein y Dziga Vertov. No veíamos una película de estos señores y sin embargo nos conocíamos de memoria sus teorías. Era un verdadero disparate. Y luego a mí me ha ocurrido que al ver las películas de Eisenstein me he llevado unas desilusiones monstruosas".

A principios de los años setenta, Groucho Marx tuvo un serio problema con el FBI a partir del momento en que, a la pregunta sobre qué opinaba del entonces presidente de los E.E.U.U. Richard Nixon, se le ocurrió responder; "Pienso que la única esperanza de este país es el asesinato de Nixon". Aunque la respuesta apareció en un  periódico alternativo, el FBI investigó al famoso actor, quien para defenderse respondió lo siguiente: "Lo niego todo porque nunca digo la verdad. Miento siempre, sobre todo lo que digo y hago, ya sea sobre hombres, mujeres o cualquier otro sexo". El asunto no fue a más, pero el FBI dejó un archivo abierto a nombre de Groucho Marx.

Las escenas de Memento (Christopher Nolan, 2000) siguen una determinada cronología temporal que han clasificado en base a letras y números. Así, el alfabeto de la A a la V representa las escenas en color, teniendo en cuenta que la A señala la escena que transcurre cronológicamente primero y que la V hace otro tanto con la escena del final. Si a ello añadimos números del 1 al 22, para relacionar cronológicamente las escenas en blanco y negro, obtenemos la siguiente alternancia de escenas en color y blanco y negro: 1, V, 2, U, 3, T, 4, S, 5, R, 6, Q... y así sucesivamente hasta llegar a... 20, C, 21, B, 22, A.
De esta manera se consigue representar la compleja estructura narrativa del film, dejando claro que las escenas en color son las que retroceden del presente al pasado, mientras que las escenas en blanco y negro son las que avanzan hacia el futuro.

Julia Roberts ganó el Óscar por Erin Brockovich (Steven Soderbergh, 2000). En la ceremonia de entrega correspondiente a la edición de ese año, la actriz subió al escenario desafiante. En primer lugar hizo una mención al director de la ceremonia, quien había prometido un televisor último modelo al ganador que hiciese el discurso de agradecimiento más corto, diciéndole que ella ya tenía un televisor de ese mismo modelo. A continuación, sobrepasó el tiempo límite asignado empezando así: "¡Qué demonios!... Como no sé si voy a volver a estar aquí arriba en toda mi vida, me voy a tomar el tiempo que necesite para agradecer el premio a quien quiera". Lo cierto es que el director de la ceremonia no se atrevió a interrumpirla apagando los focos y desconectando el micro, como le hizo a otros ganadores.

Steven Spielberg rodó escenas con el niño de Encuentros en la tercera fase (1977) valiéndose de toda clase de trucos. En el momento del rodaje, el pequeño Cary Guffey tenía tan sólo cuatro años, y dado que era imposible que el pequeño pudiera entender el sentido de lo que se filmaba, el realizador lo que hizo fue jugar constantemente con él en el plató a fin de conseguir las reacciones y expresiones que quería. Por ejemplo, para rodar la primera escena del niño en el film, en la cual se levanta en mitad de la noche cuando oye cómo se ponen en marcha los juguetes y de repente ve (en fuera de campo) a un extraterrestre, Spielberg llegó al extremo de ponerse un disfraz de oso para sorprender a Guffey en ese preciso instante; el niño no se asustó y sonrió, tal y como se ve en la película. Lo cierto es que esta estratagema de juego dió un resultado óptimo, dado que, de este modo, todas las escenas del niño salieron de primera, hasta el punto de que los miembros del equipo le bautizaron como "one-take Gary" (Gary una toma).

Malcolm McDowell sufrió todo tipo de calamidades rodando "La Naranja Mecánica" (Stanley Kubrick, 1971). Al hacer las famosas escenas en las cuales su personaje es sometido al tratamiento Ludovico, consistente en ver películas violentas sin poder cerrar los ojos gracias a unas piezas metálicas que mantienen abiertos sus párpados, el actor se lesionó una córnea, quedándose temporalmente ciego. La cosa no acabó ahí. Filmando la escena en la cuál es humillado por un actor en un escenario teatral, McDowell recibió tal paliza que se saldó con algunas costillas rotas. Para colmo de males, al rodar ese terrible momento en el cual dos de sus antiguos colegas de fechorías le sujetan la cabeza debajo del agua en una alberca mientras le golpean, en una de las tomas falló el tubo de aire que se encontraba en el fondo de la misma, y a través del cual McDowell debía respirar. En fin, que tuvo un rodaje movidito el joven actor.

Cada vez que a Alfred Hitchcock algún periodista le incordiaba, echándole en cara la violencia de algunas de sus películas y los posibles efectos perniciosos de aquélla sobre el espectador, el genial realizador replicaba enseñándole un recorte de prensa plastificado que llevaba siempre consigo. El recorte contenía la noticia de un suceso real, que explicaba que un hombre había asesinado  a su mujer después de haber ido al cine: el film que acababan de ver era... "Blancanieves y los siete enanitos" de 1937