The company men

T.O.: The company men. 2010.Company Men Productions. Director: John Wells Guión: John Wells. Reparto: Bobby (Ben Affleck), Phil Woodward (Chris Cooper), Gene McClary  (Tommy Lee Jones), Jack Dolan (Kevin Costner), Sally Wilcox (Maria Bello).
 

Durante la crisis, millones de personas se quedaron sin empleo de la noche a la mañana. Tenían hipotecas, letras del coche, tarjetas de crédito, colegios, universidades y muchas mas cosas que pagar. Se les cortó el grifo, pero por otro lado se les exigía pagar hasta el último centavo de lo que debían (irónicamente, a quienes causaron el derrumbe económico). Para salir del paso muchos han tenido que realizar trabajos que no entraban en sus planes ni en sus expectativas, pero necesarios para sobrevivir y sacar adelante a sus familias. Ésto es lo que nos cuenta "The Company Men", las consecuencias de la crisis para tres empresarios de una compañía de Boston y cómo capearon el temporal en sus respectivos entornos familiares.
La película empieza bastante seria, con un creíble reflejo de lo que le pasa a la gente de empresa en tiempos de crisis y con imágenes bastante conseguidas, por su simbolismo y por lo bien que nos muestran el mundo empresarial, donde ni los peces gordos se salvaron. La película se estropea conforme va acercándose al final, empieza a tirar de topicazos americanos. Lo que estaba siendo un fiel reflejo de la actualidad laboral para muchos ciudadanos, acaba convirtiéndose en un producto mediocre y comprometido con la taquilla y la preferencia del espectador por que no se le perturbe mucho, ni en sus ideas ni en sus expectativas laborales, no vaya a ser que cunda el pánico.
Los tres actores principales están muy bien en sus respectivos roles, el que menos Tommy Lee Jones, ya que da vida a un personaje poco creíble en una empresa actual. Ben Affleck (descontando la última media hora) esta muy comedido y en su sitio, haciendo muy bien el papel de tiburón de los negocios destronado y desesperado.

El amor y otras cosas imposibles

T.O.: Love and other impossible pursuits. 2009.Incentive Filmed Entertainment. Director: Don Roos. Guión: Don Roos, basado en la novela de Ayelet Waldman. Reparto: Emilia (Natalie Portman), Simon (Anthony Rapp), William (Charlie Tahan), Carolyne (Lisa Kudrow).

Lo primero, recomiendo a toda persona de lágrima fácil que se abstenga de ver esta peli porque lo va a pasar mal, se trata de, lo que se suele llamar, un dramón (pero no de buena calidad). Es una historia sobre la vida en familia, un tanto peculiar, de Emilia. Vive con su pareja, Simon, un hombre casado (pero separado), que tiene un hijo un poco repelente y una ex- mujer irritante y controladora. Se tiene que ganar a su hijastro, algo nada fácil ya que su verdadera madre, Carolyne, pondrá todos los medios a su alcance para evitar cualquier acercamiento. Por otro lado, sus padres se han separado por una infidelidad del padre. Para que su situación sea más triste y traumática, hace tiempo Emilia y Simon perdieron un bebe a los pocos días de nacer. Esta perdida supondrá una carga para la relación de ambos, para sus vidas y una barrera que Emilia deberá superar para lograr algún día formar una familia. Como veis, tiene todos los elementos necesarios para hacer llorar al personal durante el tiempo que dura.
El film nos cuenta esta historia sin imaginación, sin aportarnos algo diferente a lo visto en mil y un dramas familiares del mismo estilo. Utiliza, sobre todo, la música para provocar en el espectador la tristeza que no puede crear con las imágenes, los diálogos o los personajes. El guión se basa en presentar al espectador situaciones muy dramáticas una detrás de otra para que éste tenga la sensación de que esta viendo algo realmente crudo. Utiliza los momentos "intermedios" donde se cuenta el resto de la vida, día a día, de la protagonista, como meros nexos entre esas situaciones; sin embargo son estos pocos momentos "desmembrados" los que más destacan en la película (como la merienda en la cafetería, el encuentro de Emilia con su padre...). Es cierto que son momentos típicos en estos films, pero que le dan a uno un pequeño respiro después de cada escena llorona. Los actores están decentes (y digo decentes, porque resultan tan "petardos" como la historia lo exige), aunque no es muy creíble ver a Natalie Portman en el papel de madre ya que nos tiene poco acostumbrados a verla en estos roles y se nota que ella tampoco los hace muy a menudo. El final es muy predecible y demasiado blando para lo que se nos ha ido mostrando en la pantalla.
Resulta ser un drama artificial y facilón que busca la satisfacción del espectador, pero sin obligarle mucho a pensar de verdad en lo que ve. Una ñoñería mas que nos cuenta lo dura que puede ser la vida y lo necesario que es confiar en la familia para salir del pozo, pocas lecturas mas se pueden sacar del film, salvo un leve debate sobre el aborto en algunos instantes y conversaciones.
Los llorones abasteceos bien de clínex. (3/10)

Cartas a Dios

T.O.: Oscar et la dame rose. 2009.Pan Européenne Production. Director: Eric-Emmanuel Schmitt. Guión: Eric-Emmanuel Schmitt, basado en su obra de teatro. Reparto: Óscar (Amir Ben Abdelmoumen), Rose (Michéle Laroque), Dr. Düsseldorf (Max von Sydow).

"¡Madre mía, qué es esto!", esa era la expresión que rondaba mi cabeza conforme avanzaba el visionado de esta película. Mira que me gusta el cine francés y las comedias sobre todo, pero este film me resulto una tomadura de pelo de principio a fin.
Nos cuenta la historia de un niño que padece un cáncer terminal y vive internado en una especie de clínica-residencia para niños enfermos. Allí conoce a una "mujer con un vestido rosa" y comienza a entablar amistad con ella. La mujer visita a Óscar con regularidad los últimos días de su vida y le cuenta historias y enseña juegos que le hacen mas llevadero el final. Entre estas "distracciones" le recomienda que si quiere contarle a alguien las cosas que le atormentan le escriba cartas personales a Dios, como si fuese su confidente (no le dice que rece, porque Óscar no cree en Dios).
No me voy a enrollar con este film. Todo lo que os imaginéis, incluso sin ver la peli, pasa. Lo peor no es la historia sino como han trasladado al cine el relato escrito. No hay ninguna intención cinematográfica seria en algún momento, es un "corta y pega" en imágenes de las páginas de la obra teatral y, encima, de la forma mas "cutre" posible.
Esta entre el drama y la comedia, quedándose al final en un estilo un tanto oscuro para lo que se quiere contar, muy alejado del cine infantil y más del adulto, una especie de híbrido que no convence a ningún sector, ya sea mayores o pequeños. Hay escenas ridículas, como las peleas de la "Dama de rosa" y otras de mal gusto, como la forma en que presenta Óscar a todos sus compañeros, sin respeto alguno, intentando ser gracioso pero olvidándose por completo de que el resto también están enfermos. A mi me daba la sensación de que como Óscar iba a morir podía ir haciendo y diciendo por el internado lo que le pareciese a él. Ésto esta bien, pero si se nos quiere mostrar a un personaje que es así por su personalidad, pero el film intenta justificar al espectador todo lo que hace el niño y que lo aprobemos.
Vamos, que a mi no me cuadraba nada de lo que pasaba en el film, una mezcla de géneros y de personalidades que no cuajan bien, bajo una realización que mejor me abstengo de comentar. ¡Ojo! No critico la obra de teatro, sino la traslación cinematográfica, que de interesante tiene muy poquito. (1'5/10)

Scream 4

T.O.: Scream 4. 2011.Dimension Films. Director: Wes Craven. Guión: Kevin Williamson. Reparto: Shériff Dewey (David Arquette), Sidney Prescott (Neve Campbell), Gale Weathers (Courteney Cox), Jill Roberts (Emma Roberts).

Después de diez años Sidney Prescott regresa al pueblo de Woodsboro, donde hace una década fue perseguida por Ghostface, responsable de la masacre que hizo famosa la localidad. Tras su regreso comenzará una nueva sangría, perpetrada por el mismo personaje demente. Sidney y sus amigos tendrán que averiguar quien se esconde tras la identidad del asesino antes de que los mate a todos.
La película empieza con una increíble y desternillante sátira a todas las pelis de terror, en especial a aquellas que se basan en causar sensaciones desagradables al espectador (como Saw). La verdad es que parece que estemos ante una especie de "Scary Movie", pero tras veinte minutos de parodia, empieza la acción "real". En realidad, casi toda la película pretende ser una crítica a las actuales producciones del genero, sin embargo, acaba siendo ella misma un film digno de parodiar, porque su fin es el mismo que todas las demás: recaudar dinero sin importar la calidad de lo que se exhibe o lo interesante del argumento; y lo peor de todo es que también nos quiere dar una visión de la nueva sociedad juvenil y sus defectos: internet, el dinero, la televisión basura, la fama.... muy lejos de conseguirlo (como lo hizo a la perfección  la brillante "La red social", dentro de su género).
En mi opinión, el film resulta aburrido, predecible; y es una falta de respeto a la inteligencia de sus fans (o los fans del cine de terror), no solo por sus múltiples bromas y críticas, que acaban siendo cansinas, sino porque no tiene ninguna sorpresa, algo del todo necesario en este tipo de pelis.
La verdad es que Wes Craven ha terminado de rematar esta saga, que empezó con una muy interesante primera parte (considerada ya una película de culto en el genero), y ha acabado fastidiando y ridiculizando a los personajes (incluido Ghostface, que en esta cuarta parte da un poco de risa cada vez que aparece).
 Una película para ir bien acompañado de gente que se asusta fácilmente y reírse del miedo tan artificial que provoca, y digo artificial porque nada del argumento ni ninguna de las apariciones de Ghostface inquieta lo más mínimo, sino fuese por golpes de música o giros bruscos de la cámara. Del final no digo nada, pero yo me reí de lo absurdo que era lo que estaba viendo. En fin, una saga más que se tira a la basura por recaudar más millones. (3/10)

Perdona pero quiero casarme contigo

T.O.: Scusa ma ti voglio sposare. 2010. Director: Federico Moccia. Guión: Chiara Barzini, Federico Moccia, basado en su novela. Reparto: Alex (Raoul Bova), Niki (Michela Quatrociocche), Pietro (Francesco Apolloni).

La legión del águila

T.O.: The eagle. 2010.Focus Features. Director: Kevin MacDonald. Guión: Jeremy Brock, basado en la novela de Rosemary Sutcliff. Reparto: Marco Aquila (Channing Tatum), Esca (Jamie Bell), Tío de Aquila (Donald Sutherland), Guern (Mark Strong).

La película es una vuelta de tuerca más a la leyenda de la legión desaparecida en las tierras del norte de Britania, cuando los romanos quisieron hacerse con el control de toda la isla; y que provocó la construcción del muro de Adriano para frenar a las tribus de la zona. Esta vez, el relato cuenta la aventura que vivirá el hijo de quien estuvo al mando de dicha legión, a través de tierras hostiles mas allá del muro, para recuperar el honor de su padre, es decir, el estandarte del águila del imperio romano que portaba la Novena y que se perdió en el combate. A Marco le acompañara un fiel y valiente criado llamado Esca.

Río

T.O.: Río. 2011. Director: Carlos Saldanha. Guión: Carlos Saldanha, Earl Richey Jones, Todd Jones. Reparto: Blu (Jesse Eisenberg), Linda (Leslie Mann), Nico (Jamie Foxx), Jewel (Anne Hathaway), Nigel (Jemaine Clement).

Blu, es un guacamayo que no sabe volar. Y no sabe hacer lo que hacen casi todas las aves porque siempre ha vivido en cautividad. Su dueña le mima como nadie y dentro de su casa es donde se siente a gusto, nunca sale al exterior. Un día, un científico llega para pedirle a Lidia, la dueña de Blu, que lleve a éste a Río de Janeiro para poderlo emparejar con la única hembra de su especie y poder procrear juntos, ya que ambos son los últimos guacamayos que quedan en la tierra. Unos traficantes intentaran hacerse con los dos pájaros y a partir de aquí se desencadenara una trepidante aventura para Blu y los que le van ayudando en su camino.
Esta película esta muy lejos de ser considerada como algo mas que una diversión para el publico infantil. Mientras que otras, como "Como entrenar a tu dragón" o "Rango", se pueden considerar films de dibujos animados bastante notables; Rio no es mas que otro producto comercial que vive de las rentas de todas las historias ya contadas en otros cientos de pelis del mismo género. Entretiene a los peques, que no son exigentes (como ocurría en Gnomeo y Julieta), pero nunca va un paso mas allá de la diversión que quiere mostrar, junto con una clarísima propaganda de Río de Janeiro como destino turístico.
Tiene una animación decente; bromas archiconocidas; personajes típicos (como los dos villanos torpes); aventura sin sorpresa (al menos para los que hayamos visto otras películas para niños) y un final previsible. Un buen rato a pasar para niños entre los 4 y los 10 añitos. (4/10)

La vida de los peces

T.O.: La vida de los peces. 2010. Director: Matías Bize. Guión: Matías Bize
Reparto: Andrés (Santiago Cabrera), Beatriz (Blanca Lewin), Pablo (Victor Montero).
 
Dijo Descartes: "el que emplea demasiado tiempo en viajar acaba por tornarse extranjero en su propio país". Esto es lo que le ocurre al protagonista de la peli, Andrés. Después de diez años sin volver a su hogar, con su gente, con sus amigos, acude a la fiesta de cumpleaños de uno de ellos, Pablo. Andrés vive en Berlin y se dedica a viajar constantemente, pues escribe guías de turismo. Al regresar a su "casa" se da cuenta de que el mundo no se ha parado, todos sus conocidos han seguido viviendo sus vidas, incluído su amor de juventud, Beatriz.
La película se desarrolla por completo en el interior y exterior de una casa, aquella en la que se celebra el cumpleaños de Pablo. Andrés ira vagando por las habitaciones encontrandose con viejos conocidos, con recuerdos de la infancia, con fantasmas y sentimientos dolorosos del pasado. A través de conversaciones que mantienen los que entran y salen de escena, vamos conociendo un poco mas de la vida de Andrés y sobre todo, del motivo por el que ha decidido volver a aparecer.
Santiago Cabrera esta muy bien en su papel, con la mirada transmite la desilusión que siente al ver que está perdido en su mundo, mientras los demás continúan caminando, con mayor o menor suerte; que se encuentra sin compañía y que no tiene un hogar como los demas, que no tiene la alegría que tenia cuando era joven; que está falto de amor. Pero también nos hace ver que su personaje, a pesar de darse cuenta de todo esto, sabe que es incapaz de hacer algo por evitarlo.
Es cierto que en los diálogos y situaciones se dan los clichés mas repetidos en este tipo de dramas. Sin embargo, las escenas tienen cierto encanto y están perfectamente acompañadas por una música que refuerza su dramatismo. No es un film excelente, pero merece mucho la pena descubrirlo, yo me he llevado una muy grata sorpresa. Una historia bonita y dramática, pero nada dura (y quizás sea esto lo que le falta, un pelin de dureza). (5'5/10)

Potiche

T.O.: Potiche.  2010.Mandarín Cinema. Director: François Ozon. Guión: François Ozon, basado en la obra de Pierre Barillet y Jean Pierre-Grédy. Reparto: Suzanne (Catherine Deneuve), Robert Pujol (Fabrice Luchini), Babin (Gerard Depardieu),  Laurent (Jérémy Renier), Nadège (Karin Viard).

Potiche significa florero, en francés. El título es adecuado para definir a la protagonista de esta película, Suzanne. Vive con su marido Robert Pujol, dueño de la fabrica de paraguas que heredo del padre de ella. A Suzanne no se le permite inmiscuirse en los asuntos de su marido, ni siquiera cuando sabe que este le es infiel, ni tomar decisiones en su casa sin consultarlo con él. Suzanne es una mujer florero y pertenece a la burguesía francesa de los años 70. Un altercado, durante una huelga de trabajadores en la fábrica,  pone en peligro la salud de Pujol. Suzanne tendrá que tomar las riendas de la fábrica y solucionar la situación con los trabajadores, algo que hará mucho mejor que su marido. Para todo esto contara con la ayuda del alcalde comunista Babin. Poco a poco irá convirtiendo el patriarcado de Robert Pujol en un matriarcado, y provocará la revolución del papel de la mujer en su entorno y familia.
El film esta basado en una obra de teatro de  vaudevillle francesa y no abandona este origen en ningún momento. Hay escenas que transcurren tal cual las veríamos en un escenario (como las que se desarrollan entre la fábrica y la mansión, que parecen estar pegadas). Las situaciones son ridículas y tienen alguna salida de tono; con enredos amorosos, tramas políticas y empresariales, descubrimientos sorprendentes, etc... como en toda comedieta teatral. Es una crítica ácida, pero no muy comprometida, a la burguesía. Aunque, yo diría que importa mas la guerra de sexos que refleja.

La mitad de Óscar

T.O.: La mitad de óscar.  2010. La Loma Blanca P.C. Dirección: Manuel Martín Cuenca. Guión: Manuel Martín Cuenca. Reparto: Óscar (Ródrigo Sáenz de Heredia), María (Verónica Echegui), Jean (Denis Eyrie), Taxista (Antonio de la Torre).

Esta película nos sumerge en la vida o, más bien, tedio, rutina y soledad de Óscar, un vigilante de una salina abandonada, situada en la costa de Almería. Óscar tiene una vida totalmente anodina: todos los días un vigilante jubilado le lleva algo de comer e intercambian unas palabras; luego va a ver a su abuelo, que se consume entre las paredes de un geriátrico y que ya no reconoce a nadie; llega a casa y limpia su revólver y, cuando lo necesita, se acuesta con su amante. Cuando muere su abuelo, recibe la inesperada visita de su hermana, María, a la que no ve desde hace mucho tiempo. Esta sorpresa hará que su vida se altere y los fantasmas del pasado comiencen a remover sus recuerdos y los sentimientos hacia su hermana.

El film está rodado con pausa y se han cuidado mucho todas las escenas. Esto se nota, sobre todo, en el trabajo de fotografía, muy bueno en su totalidad. La idea de la soledad tan auténtica que sufre Óscar y la intrascendencia de la que llena su vida (como la mayoría de gente que se rinde y acepta lo que sea), está bien reflejada en la película a través de sus imágenes, pero no del relato. El director utiliza planos sostenidos larguísimos y unas escenas (a veces en tiempo real) llenas de sentimientos y realismo, para transmitirnos el abandono al que se ha sometido Óscar, que se deja arrastrar imperturbable por la vida misma, sin ambiciones ni deseos. Es la aparición de su hermana, con noticias sorprendentes, lo que le hace reaccionar un poco. 

Todo esto no justifica el que la película necesite de una entrega total, en todos los aspectos y sentidos, de nosotros; pues las películas nunca deben aburrir a quién las está viendo y “La mitad de Óscar” acaba haciendo bostezar a la platea. Al menos, su duración es breve; sin embargo, es la historia falta de cualquier “pulsación” dramática la que hace que el espectador se aburra solemnemente con lo que se le está planteando (una mujer sentada detrás de mí, llegó a decir en alto: “¡Pero, que salga ya!”, cuando María se mete en el baño y estamos un minuto esperando a que vuelva a aparecer). Este intento de plasmar la realidad al milímetro lastra la película demasiado, algo que ya pasaba con “La mujer sin piano”.

Los cineastas europeos (holandeses y alemanes, sobre todo, aunque franceses también) filman su realidad de una manera minimalista, y lenta podríamos decir, pero esta forma o ritmo de hacer la película no provoca el derrumbe de la historia o la desatención del público.

Los directores españoles, como Rebollo y Cuenca, se empeñan en hacernos creer que el cine independiente y comprometido con la sociedad, en España, tiene que ir por unos derroteros totalmente ajenos a la persona que va al cine a ver la peli; lo que importa es lo que ellos quieren contar, sin más, y se olvidan que el fin último de toda buena película es hacer sentir al espectador lo que se les ha querido transmitir, no valen manipulaciones estilísticas para engañar a los que no vemos en la película nada más de lo que se enseña. En mi opinión, es imposible, por mucho que se empeñe la crítica, que el cine español más comprometido con la sociedad trascienda más allá de la pequeña historia que se ha querido contar en un film. Y no hay que olvidar que el cine, NUNCA, debe ser aburrido. (3/10)

Caperucita Roja

T.O.: Red Riding Hood. 2011.Warner Bros. Directora: Catherine Hardwicke. Guión: David Leslie Johnson. Reparto: Valerie (Amanda Seyfried), Padre Solomon (Gary Oldman), Peter (Shiloh Fernández), Henry (Max Irons), Abuelita (Julie Christie).

Tomando como referencia el famoso cuento de Caperucita Roja, esta película nos cuenta la historia de un pueblo que vive el asedio de un feroz hombre lobo. Éste ataca sin piedad, en noches de luna llena, a cualquier habitante de los habitantes. El sacerdote del lugar convoca al sanguinario padre Solomon para que de caza al lobo. Todos se convierten en sospechosos para este misterioso cazador, especialmente Valerie (Caperucita), en la cual la bestia parece tener un especial interés.

No me voy a extender mucho con esta película pues más o menos todos sabéis lo que puede pasar en ella (y, si no, es que no habéis visto ni “Crepúsculo” ni otras películas de temática similar, como "Drácula"), el estilo que se ha utilizado para rodarla (plano, soso y demasiado juvenil para las supuestas intenciones del film) y cómo están los actores (salvo Julie Christie, cuyas apariciones son de lo más escalofriantes, ninguno se salva, ni siquiera Gary Oldman, que parece desquiciado y no se controla demasiado a la hora de hacer su papel).

En fin, una película dirigida a los más jóvenes, o a las adolescentes. Se trata de una mala copia de la maravillosa “El Bosque”, y en su intento de darle seriedad adulta a este film han fracasado estrepitosamente. El lobo no da miedo; a Caperucita no importa lo que le pase y a los dos amantes de ésta les podrían haber liado, porque se echan las mismas miraditas amorosas que los vampiros de Crepúsculo. Lo único que quieres saber es quién diablos de los habitantes es el hombre lobo, una vez que lo desvelan, se puede abandonar la sala tranquilamente, porque lo que has visto anteriormente y lo que vas a ver a continuación no es nada interesante. Tal vez sea por mi edad, pero creo que si fuese adolescente tampoco me hubiese gustado mucho. (2/10)

Código fuente

T.O.: Source Code. 2011.Vendome Pictures. Director: Duncan Jones. Guión: Ben Ripley. Reparto: Colter Stevens (Jake Gyllenhall), Christina Warren (Michelle Monaghan), Colleen Goodwing (Vera Farmiga), Dr. Rutledge (Jeffrey Wright).

El capitán Colter Stevens, del ejército de los Estado Unidos, se despierta en un tren. Está desorientado. Charla con una joven, sentada en frente, llamada Christina y a continuación el tren explota. Ahora está en una cámara hermética llena de pantallitas y cables. Una mujer al otro lado le comunica que está inmerso en un proyecto antiterrorista llamado Código Fuente. Debe volver atrás en el tiempo (aunque es algo más complicado lo que hace exactamente, no son viajes temporales) y averiguar quién hizo explotar el tren hace unas horas. Stevens será enviado una y otra vez al tren hasta que descubra quién es el terrorista entre los pasajeros que viajan en el convoy.

El argumento puede parecer prometedor, pero la puesta en escena  y el tratamiento de esta historia es tan singular que se pierde todo lo que tiene importancia. Como pasa con todos los guiones que tienen cierta originalidad y llegan a manos de los productores más voraces, éste ha sido transformado en una “americanada” comercial de las de siempre. La acción es trepidante y al espectador no se le da tiempo para pensar en nada, simplemente ve escena de acción tras escena de acción sin inmutarse e intuyendo el desenlace desde el primer fotograma. Los actores son lo de menos en este tipo de films, lo que importa es que la historia sea sencilla, conlleve unos valores y enseñanzas fáciles de entender y que el entretenimiento esté asegurado.

Sin Límites

T.O.: Limitless. 2011.Many Rivers Productions. Director: Neil Burguer. Guión: Leslie Dixon, basado en la novela de Alan Glynn. Reparto: Eddie Morra (Bradley Cooper), Carl Van Loon (Robert de Niro), Lindy (Abbie Cornish).

Sin límites nos cuenta la historia de un escritor fracasado, al que nada le sale bien y que, en un encuentro con un conocido, recibe la “recomendación” de tomar unas pastillas (elaboradas por este desconocido) para que las cosas comiencen a ponersele de cara. Y, efectivamente, según ingiere una de estas píldoras, Eddie ya no encuentra límites a lo que puede hacer y aprende lo que sea en milésimas de segundo: idiomas, ecuaciones económicas, medicina, lucha; tarda pocas horas en escribir un libro, sabe la fórmula de la riqueza, etc. Su vida dará un giro radical, aunque también acarreara algún que otro problemilla.

Como dice el título, la película no se pone límites a la hora de mostrarnos la paranoia del protagonista según se toma una de las pastillas NZT (así las llaman). Es original y no lo es. Digo esto, porque el estilo de filmar que han utilizado para el film es apabullante y muy propio del mundo del videoclip. Con

Incendies

T.O.: Incendies. 2010.TS Productions. Director: Denis Villeneuve. Guión: Wajdi Mouawad, Denis Villeneuve. Reparto: Nawal (Lubna Azabal), Jeanne Marwan (Mélissa Désormeaux-Poulin), Jean Lebel (Rémy Girard), Simon Marwan (Maxim Gaudette).

Incendies es una buena muestra de película errante, entre el cine independiente y el comercial. Trata sobre la violencia, el descubrimiento de la familia y la crueldad y ridiculez de la guerra.
La historia empieza con la lectura del testamento de la madre de los dos protagonistas. Se les entregan dos cartas reveladoras, en las que se afirma que tienen un hermano y un padre a los que no conocen. A partir de aquí, los dos hermanos viajaran al Líbano para intentar descubrir lo que se les ha dicho en el testamento. En este viaje irán destapando cosas muy oscuras del pasado de Nawal, su madre, y de su origen. Además, verán las consecuencias de una guerra duradera y vivirán en sus carnes los conflictos que la han causado.
La película es muy original. Podemos decir que tiene espíritu de film independiente, pero la manera en la que ciertas escenas y temas han sido resueltos es bastante común en el cine más comercial y esto mismo es lo que le quita personalidad al proyecto. Aún así, la combinación no sale nada mal parada. El guión nos mete de lleno en una historia llena de crudeza; es dura, para los protagonistas y para el espectador, para el que es difícil comprender que estos problemas se den entre los hombres.

Nada que declarar

T.O.: Rien à déclarer. 2010. Director: Dany Boon. Guión: Dany Boon, Yael Boon. Reparto: Ruben (Benoit Poelvoorde), Mathias (Dany Boon), Louise (Juliet Bernard).

La película se centra en la desaparición de las fronteras entre Francia y Bélgica (en 1993), tras la formación de la llamada Eurozona. Dos oficiales de policía, que no se aguantan el uno al otro ( uno belga y otro francés), se ven forzados a participar en un nuevo cuerpo de agentes de aduanas. Este experimento consiste en formar patrullas mixtas, franco-belgas, para que ambos países colaboren en la vigilancia de las fronteras. Ruben, el agente belga, no traga a los franceses y, para añadir más leña al fuego, Mathias, el agente francés, está liado con su hermana, pero esto es un secreto para Ruben. Ambos se verán obligados a colaborar para atrapar a unos traficantes de droga. El resultado será un desastre tras otro.
La película se ha vendido como una copia de la maravillosa "Bienvenidos al norte" (Dany Boon,2008); cuando la verdad es que guarda muchos mas parecidos con la saga Taxi ( creada por Luc Besson). Sí es verdad que hay situaciones en las que se refleja las diferente forma de hablar el francés de ambos países, o las culturas tan opuestas. Pero la diferencia  de "Nada que declarar" con la película que he mencionado antes es palpable.

Los gags y las situaciones mas graciosas vienen producidas por la incompetencia de ambos agentes en el cumplimiento de su deber (igual que en la peli de Luc Besson), y la imposibilidad de compenetrarse para atrapar a los malos. Por otra parte, "Bienvenidos al norte", era muy original, ya que trataba el tema de la diferencia cultural de una manera cómica nada crítica o irrespetuosa; sino, dulce, inteligente y entretenida. La película que abordo en esta ficha, sin embargo, no es nada original; se basa en una sucesión de situaciones graciosas de lo más vistas en el cine francés cómico-policiaco (repito: en "Taxi" o "Que te calles!", por ejemplo). No hay sorpresas y el ritmo es bastante plano a lo largo de la película, remonta un poco cuando los dos agentes empiezan a colaborar, pero a continuación decae hasta el final. El film se salva por la interpretación de todos los actores, decentes, sin más; aunque destaca Benoit Poelvoorde, con sus gritos y su violencia racista hacia los franceses, es los más gracioso de la película.
El film es entretenido y provoca risa. Ligero, como casi todas las comedietas francesas y realizado con ritmo y buen gusto (al lado de "¿Para que sirve un oso?" es una maravilla). Si queréis pasar un buen rato en el cine y reíros un poco, id a verla. (4/10)

Enviado desde mi iPad

Inside Job (Óscar mejor largometraje documental 2010)

T.O.: Inside Job. 2010. Representational Pictures. Director: Charles Ferguson. Guión: Charles Ferguson, C. Beck, A. Bolt. Voz de narración: Matt Damon.

Inside Job es un documental que se centra en las polémicas alrededor del entorno financiero de Wall Street y el origen de la actual crísis económica mundial. Las políticas financieras de los grandes bancos, la actuación del gobierno de E.E.U.U., el mundo de la bolsa y la educacion universitaria actual. Todo esto es lo que trata de descubrirnos este brillante reportaje "fílmico".
Charles Ferguson ha realizado un buen documental gracias, sobre todo, a los geniales testimonios de gente que ha estado o está implicada en semejante fraude económico mundial. Está realizado con bastante corrección, no se entretiene en darnos la opinión de nadie. Fluyen datos y palabras verídicas continuamente, intercalándolos con imágenes de grandes centros de la economía de Estados Unidos.

La película puede provocar un tremendo cabreo en el espectador, no sólo con aquellos que dirigen la economía sino con toda la, inepta, clase política. Este documento nos hace ver cómo los políticos (incluidos todos los presidentes, desde Reagan) son meros títeres de Wall Street, de los poderosos bancos y de todos aquellos que acaparan el poder económico del mundo entero. También podemos observar y disfrutar con la crispación, las respuestas evasivas o el tartamudeo de algún que otro implicado que se ve acorralado en la entrevista. Un miembro de uno de los comités de la Casa Blanca llega a decirle al reportero: "¿Pero qué coño esperabas sacar de esta entrevista?¿Puedes apagar la cámara un momento?..." Otra de las cosas que demuestra que Inside Job tiene una sólida investigación en la que apoyarse, es que ha ido a por los encargados de la educación universitaria de los jóvenes economistas; un tema que nadie había tocado y que es uno de los más graves causantes de que el sistema no funcione bien; no solo porque, siendo expertos, no lo han querido prevenir (el motivo de que se hayan callado es de lo más escalofriante que muestra el film); sino, porque son los que les enseñan a las nuevas generaciones que el sistema funciona, cuando ha quedado constancia de lo contrario.
El film es un, muy valioso, documento sobre lo que se hizo mal y qué dió lugar a la crisis. Sin perderse en sensacionalismos (como otros films) Inside Job nos va mostrando, con datos técnicos y testimonios verídicos, qué es lo que paso para que todo el capitalismo se fuese al garete. También refleja el poder que tiene hoy en día el dinero, muy por encima de la moral, de la ley (a la que se pasa por el forro), de la política y, por supuesto, de cualquier ser humano que no pueda poseerlo. Ésto es en lo que se está convirtiendo la sociedad occidental, huérfana de cualquier moral que le provoque remordimientos ante lo que está haciendo; se va transformando en un grupo de individuos que se aplastan unos a otros por un montón de billetes, porque en la carrera por el dólar (o euro, o lo que sea) vale todo y nada se puede hacer contra esto. (7/10)

Mademoiselle Chambon

T.O.: Mademoiselle Chambon. 2009.TS Productions.  Director: Stéphane Brizé. Guión: Stéphane Brizé y Florence Vignon. Intérpretes: Jean (Vincent Lindon),  Mademoiselle Chambon (Sandrine Kimberlain). 

Jean (Vincent Lindon) es un albañil, rudo y algo ignorante; que vive con su mujer y su hijo una especie de rutina aburrida. Mademoiselle Chambon (Sandrine Kimberlain) es la profesora de su hijo. Al ir a recogerle al colegio, ésta le propone que acuda un día a clase a contar cosas sobre su trabajo, aunque sea en la construcción y parezca no tener interés para los niños. A partir de la exposición que hace Jean,  en la clase de su hijo, la profesora se interesará por él, primero profesionalmente, y luego sentimentalmente. Lo mismo le sucederá a Jean.

Es una historia sobre un engaño, sobre la infidelidad. Jean está atrapado en una vida que se está haciendo aburrida y que no despierta en él ningún tipo de pasión o interés. La cultura es algo que le queda muy lejos. Pero, cuando conoce a la profesora de su hijo, una violinista retirada, empezaran a florecer en Jean la sensibilidad y el gusto por algo que ya parecía muerto dentro de él. Por su parte, Mademoiselle Chambon, es una profesora que va cambiando de colegio, más o menos cada trimestre. No le gusta quedarse en un sitio ni hacer vida con nadie. Sin embargo, el maduro albañil hará que se plantee las cosas en cuanto al amor y a echar raíces en un lugar. La historia es sencillita, no tiene mucho misterio. Pero es la manera tan a la francesa como está realizada lo que hace de la película un producto a destacar. En toda la película los personajes cruzan unas pocas palabras y la mayoría de las conversaciones y situaciones son de lo más cotidianas. Son las miradas y los gestos de los actores los que transmiten todo en este film, ayudados por un tratamiento de la imagen (cercano al documental) que hace de la realidad un lugar de lo más bello. Y utilizo la palabra “bello”, porque es la belleza de las cosas singulares lo que nos intenta transmitir la película, ya que la imagen deja a un lado el tratamiento de los personajes; de hacerlos bellos, a ellos también, se encargan los dos actores protagonistas a la perfección. Los actores franceses son expertos en dibujar para el cine unos personajes de lo más callados y expresivos a la vez. En la película predominan los silencios,

El último verano

  T.O.: 36 vues du Pic Saint-Lup. 2009.Pierre Grise Productions. Director: Jacques Rivette. Guión: Jacques Rivette y Pascal Bonitzer. Reparto: Kate (Jane Birkin), Vittorio (Sergio Castellitto),  Alexandre (André Marcon).

Jacques Rivette hace un cine muy duro de ver, en cuanto a lo denso que es, y difícil de entender. Pues bien, en su última película sorprende a todos por haber decidido establecer su metraje en apenas una hora y veinte minutos. Es de agradecer. Su cine es bueno y las historias siempre son bastante inteligentes; pero algunas de sus películas son excesivamente largas. Lo que no cambia es su tono reflexivo, su manera de contar las historias, con una mezcla de misterio y filosofía.

En éste film se cuenta el regreso de una mujer, Kate (Jane Birkin), al circo que pertenecía a su padre; después de haberlo abandonado durante mucho tiempo debido a un misterioso accidente ocasionado durante uno de los espectáculos. En su regreso, y para ayudarla a superar dicho trauma, aparecerá un más que misterioso y observador “viajante”, Vittorio (Sergio Castellitto). 

El monte al que hace referencia el título de la película tiene una leyenda propia que cuenta que tres caballeros (Loup, Clair y Vidal) se disputaban el amor de una dama atormentada. Los tres tuvieron que partir a las cruzadas y al regresar se encontraron con que la dama había muerto. Los caballeros, ante la pena tan profunda que sentían, se convirtieron en ermitaños de este monte. Encendieron tres hogueras que brillaron durante años, pero poco a poco se fueron apagando. La última en apagarse fue la de Loup. Y de aquí surgió el nombre de la zona (esta leyenda la extraigo del numero 43 de la revista “Cahiers du Cinema”). Cuento esto porque el tema que trata el film de Rivette es muy parecido, por eso podría pensarse que el emplazamiento no ha sido para nada casual. Una chica atormentada por su pasado que decide, como “duelo”, no volver a participar en el espectáculo de su padre. El recuerdo de un amante, que murió durante una representación, le persigue continuamente y no le deja ser feliz. Nadie sabe por qué ha regresado. El caso es, que por el camino se encuentra con un intrigante y observador viajero, Vittorio (en ruta de Milán a Barcelona), y que sentirá verdadera admiración por Kate; interesándose por el misterio del accidente y por hacer todo lo posible para que ella supere el dolor. Éste, podría decirse, que se trata del caballero que viene en rescate de la “dama” Kate.

Hay una escena, con la que se abre la película, que resume todo lo que acontece en ella. Kate está parada a un lado de la carretera, con el capó del coche levantado e intentando arreglar la avería. No puede avanzar pues el coche está estropeado. Entonces pasa Vittorio en un coche lujoso y no se para a prestar ayuda. Al cabo de unos segundos, vuelve a aparecer el coche de Vittorio, yendo marcha atrás. Se para, se baja del coche. Se mete entre las tripas del vehículo, lo arregla y se va. Ya le ha solucionado el problema a Kate. Todo esto transcurre sin una sola palabra de los personajes, algo que recuerda mucho al cine mudo. La escena es una auténtica metáfora o adelanto de lo que vamos a ver a continuación.

Con  unos planos largos y sostenidos (recurso que se usa prácticamente en toda la película), llenos de color, los personajes van entrando en escena y en el relato de un modo muy teatral (circense tal vez). Vittorio va aclarando el misterio que persigue a Kate, hablando con los miembros de la troupe; entre los que se encuentra el payaso Alexandre, con el que mantendrá los diálogos más “filosóficos” de la película. Vittorio irá haciéndose con la atención de Kate con ayuda de los integrantes del circo, que le irán dando información sobre los secretos de la mujer. Como bien se define él, es un hombre en constante movimiento y una vez que logra saberlo todo sobre un lugar (en éste caso puede ser Kate), lo abandona y continúa moviéndose.

No puedo extenderme más sobre la película, aunque ésta daría para un artículo completo. Solamente deciros que es muy buen cine francés, de esos films que homenajean y “le dan al coco” sobre ciertas cosas de la vida (la escena en la que Kate le habla a la tumba de su amante para intentar liberarse es, sencillamente, maravillosa). Todo ello filmado mediante un trabajo bonito y bien hecho. La recomiendo fervientemente. (7/10)

En un mundo mejor (Óscar mejor película extranjera 2010)

T.O.: Haevnen. 2010.Sisse Graum Jørgensen. Directora: Susanne Bier. Guión: Susanne Bier y Anders Thomas Jensen. Reparto: Anton (Mikael Persbrandt), Marianne (Trine Dyrholm), Claus (Ulrich Thomsem), Christian (Jøhnk Nielsen), Elias (Markus Rygaard).

La película de Susanne Bier, nos cuenta la historia de dos chavales, que, azotados por circunstancias diferentes (uno, por la muerte de su madre y el otro, por los abusos que sufre en el colegio), toman el camino de la violencia más radical hacia los que les provocan algún perjuicio. La violenta espiral en que se ven envueltos, les lleva hasta límites que, por la edad que tienen, ni conocen, ni deberían descubrir y que, por supuesto, no pueden controlar. El resultado de caminar por tan fina y escabrosa senda, de manera insistente, será desastroso para todos los implicados y cambiará sus vidas para siempre.
Susanne Bier ya había dejado claro, con Después de la boda, que su cine es muy comprometido y en esta película vuelve a demostrarlo (no es casual que haya sido uno de los miembros de Dogma95).

Invasión a la Tierra

T.O.: Battle: Los Angeles. 2011.Columbia. Director: Jonathan Liebesman Guión: Christopher Bertolini. Reparto: Michael Nantz (Aaron Eckhart), Elena Santos (Michelle Rodríguez), Michele (Bridget Moynahan), Joe Rincón (Michael Peña).

Un panfleto pro-militar, esto es lo que parece la película de Jonathan Liebesman. Sin ningún tipo de remordimiento, el film ensalza la figura de los marines (o del ejército americano en general), como defensores verdaderos del país y de la libertad.
"Invasión a la Tierra", cuenta los avatares de un grupo de marines estadounidenses que quedan atrapados en las lineas enemigas. El enemigo, una vez mas, procede del exterior de nuestro planeta.

El mundo según Barney

T.O.: Barney's Versión. 2010. Serendipity films. Director: Richard J. Lewis. Guión: Michael Konyves, según la novela de Mordecai Richler. Reparto: Barney (Paul Giamatti), Izzy Panofsky (Dustin Hoffman), Miriam (Rosamund Pike), Boogie (Scott Speedman).

La historia está basada en una novela del escritor canadiense, Mordecai Richler. Cuenta la accidentada existencia de un productor televisivo, Barney Panofsky. A través de efectivos flashbacks, se nos muestran las diferentes etapas en la vida de éste, centrándose, sobre todo, en sus tres matrimonios. La historia es simple, pero la forma como esta hecha la película es bastante sólida. El director, Richard J. Lewis, sabe muy bien que es lo que hacer con cada plano, y el ritmo que ha de darle al relato, y todo ello lo hace de una manera muy clásica. Se trata de un film que navega entre las aguas del drama y de la comedia más ácida, sin, por ello, estropear el resultado final,que es bastante aceptable. A todo esto contribuye, en gran medida, la actuación de Paul Giamatti, que se mueve de maravilla llevando a su personaje de situaciones muy dramáticas a otras mas risibles, sin problema y con autenticidad. También destaca la relación que Barney tiene con su padre (Dustin Hoffman), un ex-policía; una relación padre/hijo de los más peculiar y que da lugar a las situaciones y frases mas divertidas del film. La película es un producto que deja buen sabor de boca, a veces cae en el melodrama facilón, pero las

Gnomeo y Julieta

T.O.: Gnomeo and Juliet. 2011.Touchstone. Director: Kelly Asbury Guión: John R. Smith y Rob Sprackling, basado en la novela de William Shakespeare. Voces en la V.O.: Gnomeo (Jemes McAvoy), Julieta (Emily Blunt), Lord Redbrick (Michael Caine), Lady Bluebury (Maggie Smith), Hulk Hogan (Terrafirminator).
Todo lo contrario a lo que he dicho sobre Rango, se le puede aplicar a esta otra película de dibujos animados. La historia del film es la misma que la que se cuenta en la obra de Shakespeare, salvo que, en vez de Capuletto y Montesco, los rivales son Gnomos de jardín: los rojos y los azules. Por supuesto el tema central es el amor imposible entre dos gnomos, uno de cada bando (Julieta y Gnomeo).
Es un producto comercial,cercanisimo a los de Dreamworks; es decir, bromas adultas, voces famosas, música escrita por un cantante de prestigio (Elton John en este caso) y un argumento sin importancia ni misterio. Una película muy plana y vulgar, a años luz de los productos Pixar,y también muy lejos de una contemporánea como Rango. Eso sí, para los más pequeñines la película esta bien y supone un buen pasatiempo, fácil de entender. Sin más, no me extiendo porque no merece.(2'5/10)

Rango

T.O.:  Rango. 2011.Industrial Light and Magic. Director: Gore Verbinsky Guión: John Logan. Voces en la V.O.: Rango (Johnny Depp), Espíritu del oeste (Timothy Olyphant), Bean (Isla Fisher), Priscilla (Abigail Breslin), Jake (Bill Nighy), John (Ned Beatty).

Desde hace tiempo las películas del "old west" ya no se hacen de la misma manera. Llevamos años en los que se intenta recuperar dicho género con apenas unos pocos títulos destacables. A la cabeza de estos intentos se encuentra Sin Perdón y 3:10 to Yuma;de cerca le siguen Open Range, El asesinato de Jesse James y Valor de Ley. El resto han sido intentos con menos fortuna creativa y crítica. A  estas películas mencionadas podríamos, o no, añadir Rango, un muy buen homenaje al mejor cine del oeste. El film narra las aventuras de un lagarto solitario (y digo lagarto, porque en ningún momento de la peli lo llaman camaleón) que atravesando el desierto de Mojave, se encuentra con un pueblo del viejo oeste americano. Los ciudadanos no tienen agua porque hay alguien que la esta manipulando a sus espaldas sin dejarles ni gota. Haciéndose pasar por un héroe al mas puro estilo cowboy, recordando mucho a James Stewart por ser enclenque y bastante acomplejado, el lagarto es nombrado shériff del pueblo.

Torrente 4

T.O.: Torrente4:Lethal Crisis. 2011.Antena 3. Director: Santiago Segura. Guión: Santiago Segura. Reparto: Torrente (Santiago Segura), Julito (Kiko Rivera), Tony Leblanc y Yon Gonzalez (sin nombre).

Si pensaseis en todo el mal gusto español; el humor mas paleto; el gusto por lo cañí, lo mas "kinki" de España; estarías pensando sin lugar a dudas en el nuevo Torrente. No voy a enrollarme con el argumento porque es lo de menos. La historia es: Torrente es traicionado, le meten en la cárcel e intenta salir organizando un partido de futbito. Como veis no tiene nada de atractivo ni novedoso,pero es que no es esto lo que pretende. La verdadera miga de Torrente 4 esta en su exhibicionismo. La gente va a ver la película por el morbo mas español, el que también hace que los programas de la prensa rosa(o amarilla, en algunos casos) sean los más vistos de la televisión.

Encontrarás dragones

T.O.: There be dragons. 2011.Mount Santa Fe. Director: Roland Joffé. Guión: Roland Joffé. Reparto: Josemaria Escrivá (Charlie Cox), Manolo (Wes Bentley), Roberto (Dougry Scott), Pedro (Unax Ugalde), Oriol (Rodrigo Santoro), Ildiko (Olga Kurilenko), Derek Jacobi (Honorio).

La palabra que puede definir esta película es: decepcionante. Y digo esto, porque siendo el director Roland Joffé ( La Misión, Los gritos del silencio), esperaba mucho mas de ella. Joffé llevaba un tiempo firmando títulos bastante deprimentes. Después de haber hecho las dos grandes películas que he mencionado antes, parecía que caía en picado hacia el olvido. En esto,surge lo que parecía la oportunidad para reivindicarse como buen director, pero lo echa todo a perder y demuestra una vez mas que ya no tiene ese toque de maestría que parecía poseer en La Misión y en Gritos del silencio. Tal vez, bastante influenciado por la producción y limitado por el presupuesto, el director podría tener excusa; pero es que estas carencias no las solventa de ninguna de las maneras en que podría haber dado al film más creatividad o interés. El guión se lía en sus propias historias y acaba ahogando a algún que otro personaje (como el de Manolo, al que podrían haber dado mayor importancia dramática). Se empeña, el director, en hacer escenas de batallas o de localizaciones intentando mostrar todo el esplendor del que carecen; pues, he de decir, que la labor de ambientación es pésima. Los actores son bastante mediocres, se salva Charlie Cox como Escrivá de Balaguer, pero por ser una elección de casting muy acertada;el resto se pasean por la pantalla sin pena ni gloria, aunque la falta de interés por sus historias deriva del relato.

HappyThankYouMorePlease

 T.O.:HappyThankYouMorePlease. 2010. Paper Streets Films. Director: Josh Radnor Guión: Josh Radnor. Personajes: Sam Wexler (Josh radnor), Annie (Malin Akerman), Rasheen (Michael Algieri), Mississipi (Kate Mara), Mary Catherine (Zoe Kazan), Charlie (Pablo Schreider), Editor (Richard Jenkins).

Un niño negro abandonado y que es adoptado por un escritor en plena crisis creativa. Una joven con leucemia que se acuesta con quien pille con la excusa de que esta enferma y le "queda poco". Un oficinista santurrón y socarrón. Una pareja en estado critico porque él desea irse a trabajar a L.A y una

Sucker Punch

T.O.:Sucker Punch.2011.Legendary Pictures. Director: Zack Snyder Guión: Zack Snyder, Steve Shibuya. Personajes: Baby Doll (Emily Browning), Sweet Pea (Abbie Cornish), Rocket (Jena Malone), Amber (Jamie Chung), Madamme Vera Gorski (Carla Gugino), El Gran Apostador (Jon Hamm), El sabio/el general/el conductor de autobús (Scott Glenn), Blue Jones (Oscar Isaac).

Hace tiempo que el cine bebe o se alimenta de dos fuentes de entretenimiento mas o menos juvenil: el videojuego y los cómics. Sorprendentemente, para los que veáis la película, se trata de un guión original de Zack Snyder, ni es un cómic ni un videojuego. Esto es extraño, pues la originalidad de la película se pierde según van avanzando tanto el relato como las "leches"; y pasa a convertirse en un autentico videojuego. La película nos cuenta la historia de una chicas encerradas en una institución penitenciaria a lo Shutter Island(salvando mucho las distancias con la gran película de Scorsese). Un malvado carcelero que les hace la vida imposible es imprescindible en esta historia y,  por lo tanto, hay uno, con secuaces y todo. La única manera de evadirse para las chicas es soñando, fantaseando.Así es como surge el resto del film. Las chicas se imaginan pasando diferentes fases para conseguir los instrumentos que les permitirán fugarse de allí, como en todo videojuego. Aparecen soldados nazis medio zombies medio maquinas de vapor, castillos con ejércitos a lo El señor de los anillos y dragones furiosos, robots futuristas (igualitos a los de Yo, robot), etc. Las chicas van pasando las fases con mayor o menor dificultad y el final lo descubriréis cuando lo veáis. La estética de la peli es de videoconsola,aunque hay muchísimo de influencia de los dibujos del anime Japonés, en el armamento de las chicas, en las vestimentas y sobre todo en el combate. No puedo destacar nada del director pues no hay mucho trabajo de dirección. Si que destacan mucho los efectos especiales y el montaje de las escenas de combate. A parte de esto, no hay mucho que resaltar de la peli a nivel cinefilo. Efectos, explosiones,

tortas, kung-fu, fantasía, tiros y chicas sexys, nada mas. A quien le atraiga que la disfrute. Yo, personalmente, prefiero La princesita, que tiene una temática similar, pero que es mucho mejor película.(3/10)

Destino oculto

T.O.: The Adjustment Bureau.2011.Universal. Director:George Nolfi. Guión:George Nolfi(basado en un relato de Phlip K. Dick). Personajes:David Norris(Matt Damon),Elise Sellas(Emily Blunt),Harry Mitchell(Anthony Mackie),Thompson(Terence Stamp),Richardson(John Slattery).



Philip K. Dick lleva inspirando la realización de películas basadas en sus novelas desde siempre.Algunas con más acierto y otras con menos,y "Destino Oculto" es de éstas últimas.La película narra la huída de un joven político,David Norris, de su destino.Este destino viene representado por unos agentes,con gabardina y sombrero,que harán todo lo posible por que Norris alcance aquello para lo que esta destinado(valga la redundancia).La fuerza que hace que el joven se plantee su carrera política será,como en todas las películas de este tipo,el amor.Dicho amor esta representado por una bella bailarina,Elise, que parece no tener las mismas inquietudes que el protagonista y le llevara a revelarse contra lo que los demás querían o esperaban de él.
La película es entretendida,para pasar el rato y pensar un poco sobre el control de nuestras vidas,más a nivel mundial que personal.No reflexiona demasiado,pues ni el guión ni las intenciones del director parecen ser hacernos meditar sobre algo en concreto.El film esta rodado con cierto brío y no esta mal como debut del guionista George Nolfi.La cámara se mueve a través de edificios de oficinas,grandes almacenes y,por supuesto,las calles de Nueva York;sin el nerviosismo al que estamos acostumbrados últimamente.La película se acaba convirtiendo en una mera persecución a los protagonistas y como estos tratan de zafarse de los "agentes del destino".He de decir que tanto los principales,como los secundarios estan bastante bien,aunque Matt Damon parece Jason Bourne.La película tiene una buena dosis de romanticismo que acaba eclipsando otros temas del relato que podrían haberle dado a la película mayor interés.A mi me habría gustado una crítica más comprometida al control que ciertas instituciones ejercen en el devenir de la política mundial,por ejemplo(y estoy seguro de que no es casualidad que el edificio de los agentes del destino se parezca tanto a las oficinas de la CIA en N.Y.).En fin,un film para pasar un rato entretenido,sin mas;apto para todos los públicos y para todas las mentes.(3'5/10)

Misterios de Lisboa

Tal vez porque no pude disfrutar en una sala de cine de Amanecer, ni de El acorazado Potemkim,ni de Ciudadano Kane, ni de Centauros del desierto, ni de El Padrino; o, tal vez, porque no pude ir a descubrir, una a una, las películas de la "nouvelle vague"; o a los grandes como Bergman, Ford, Kurosawa o Godard. Tal vez es por esto por lo que Misterios de Lisboa me ha hecho disfrutar en una sala de cine como nunca antes había disfrutado.

El pasado domingo acudí a la sala Berlanga,en Madrid, a ver la película, del chileno Raúl Ruiz, Misterios de Lisboa. Un film ambientado en varias etapas del siglo XIX y que transcurre entre Portugal, Francia y Brasil. En ella se cuentan varias historias relacionadas entre sí por una serie de misterios que repercuten en la vida de todos los personajes .Una sufrida condesa, una marquesa celosa, un huérfano, un misterioso acaudalado y un sacerdote muy peculiar. Es un drama de "época" repleto de misterios, de intrigas, de amor, de celos, de venganza, de valentía, de compasión, de perdón, etc. El guión esta inspirado en una novela del escritor Camilo Castelo Branco. Y ha sido adaptada a la pantalla de un modo, puedo decir,como han dicho muchos

otros, folletinesco. Sin embargo la labor del director es magistral. No deja nada al azar, todo esta "cinematográficamente controlado" por el realizador, incluso la mesa de montaje, y se nota. El manejo de la cámara es soberbio. Utiliza el plano-secuencia continuamente, de manera que el espectador parece encontrarse en directo ante lo que esta ocurriendo. Usa este recurso para pasar de una escena a otra de una manera que hasta parece cosa normal a aplicar en el cine; cuando la verdad, es que es necesario ingenio y habilidad. Utiliza el lenguaje de la cámara para hacernos cómplices de la historia; de hecho hay varias secuencias en que somos nosotros mismos los que "filmamos"o "voyeurizamos" la escena que esta ocurriendo en pantalla. Maneja los planos con tranquilidad, con movimientos de cámara lentos y una puesta en escena bastante teatral. Es un estilo que me recuerda mucho a Bergman. Cada encuadre esta cuidado al milímetro; utiliza el enfoque para movernos, con sensibilidad y dulzura cinematográfica, por la escena. La posición de los personajes en los planos tampoco se ha dejado al azar. La ubicación de los actores en las escenas del film es bellísima, como en todo buen cuadro pictórico; la entrada y salida de cada uno de ellos esta intencionadamente planeada a la perfección. La fotografía es impresionante, trasladándonos directamente al siglo XIX. Los diálogos esconden dentro de si la esencia del cine, a lo que contribuyen las situaciones del film, que tratan casi todos los aspectos que se puedan haber tratado en otras muchas películas.

El elenco de actores esta de 10. Sin grandes transformaciones o sobreactuaciones, es decir, de una manera discreta y al igual que en una obra teatral, cada uno de ellos se vuelca en su papel de una manera bastante creíble y fiel a la época. Todos ellos saben hacer lo que el guión les exige sin que sus personajes sufran el desapego de la platea o de la crítica. Pero hay uno de ellos que sobresale por encima del resto: el padre Dinis, interpretado por el actor Adriano Luz. Da vida a un sacerdote con algún que otro misterio y as en la manga, y que parece tener conexión con todos los personajes, una conexión